Stéphane Brugal, Auteur à Stéphane Brugal

9 février 20219 février 2021

Henri-Edmond Cross, un artiste multi-formes.

**Henri**–**Edmond Cross**, *cheval de trait*
aquarelle, signée du cachet d’atelier en bas et à gauche, 14 x 11 cm
***Vendu – Sold***

Henri-Edmond Cross (Douai 20 mai 1856 – Lavandou 16 mai 1910)

Il expose au Salon des Artistes Français de 1881, sous son nom de famille H.E. Delacroix qu’il traduit aussitôt en anglais. Puis, Henri-Edmond Cross exposa au Salon des Artistes Indépendants dès 1884. Ses toiles et ses aquarelles sont admirées en 1894 à la Galerie rue Laffitte louée par les néo-impressionnistes, en 1896 au Salon de l’Art Nouveau, en 1899 à la Galerie Durand-Ruel. Les expositions à la Galerie Druet en 1905, puis chez Bernheim, sont considérées comme le triomphe de la couleur. Ses peintures exposées à Berlin en 1909, furent accueillies comme prémonitoires par les créateurs de l’expressionnisme.

A ses débuts, les œuvres de Cross sont consacrées à des portraits et à la description réaliste des jardins, d’une technique sombre découlant de l’enseignement de Carolus Duran et de Bonvin. C’est aussi le temps de la découverte du Midi, déjà sa palette a changé, sa technique est désormais plus libre. C’est la mutation, en 1891, où il expose aux Indépendants le portrait divisionniste de sa femme. C’est au moment où Seurat disparaissait que H.E. Cross vint au néo-impressionnisme. C’est dans le Var, au cours de ses recherches sur la lumière du levant et du couchant qu’il crée certaines de ses principales œuvres. Le fauvisme est là, pressenti, annoncé, comme en témoignera le Matisse de « Luxe, Calme et Volupté », encore redevable à la sensation néo-impressionniste, plus subjective, de Cross, avec lequel il est venu travailler en 1904 à Saint-Tropez. Le primat de la lumière, aboutissement logique des travaux de Seurat et de Signac, allait provoquer l’accélération de l’évolution de la peinture moderne.

Bibliographie:

–Dictionnaire des peintres, Bénézit, Ed Gründ, 1999, Tome IV, p.117-118 –Dictionnaire Universel de la Peinture, vol.2, Le Robert, Paris, 1975

9 février 20216 mars 2021

Léo Gausson, un peintre de la Marne.

**Léo Gausson,** *paysage de Lagny-sur-Marne*,
crayons de couleurs, 14,5x31cm
Au verso de l’encadrement, étiquette de l’exposition du musée municipal Gaston Bonnet, octobre-novembre 1988, référencé au catalogue sous le numéro 69.
**Disponible – Available**

Léo Marie Gausson (Lagny sur Marne 14 février 1860 – Lagny sur Marne 27 octobre 1944) commença à étudier la sculpture sur bois en suivant des cours du soir à l’Ecole Nationale des Arts Décoratifs. puis fut formé à la gravure par Chauvel.

Il se dirigea ensuite vers la peinture. Ses débuts dans cette discipline s’inscrivent sous une double influence. Il est d’abord initié à l’Ecole de Barbizon par un peintre de Lagny Antonio Cortès, ancien élève de Troyon. Curieux de tout, Gausson est attentif à la peinture contemporaine. Sa palette s’éclaircit et atteste une connaissance approfondie des impressionnistes.

Il fait la connaissance de deux xylographes : Maximilien Luce et Cavallo Peduzzi. Ensemble, ils s’intéressent et étudient les principes scientifiques appliqués à l’art. C’est le moment où s’élabore le Néo-impressionnisme, dont les plus éminents Georges Seurat et Paul Signac soutenus par le maître Camille Pissarro forment le groupe initial. Gausson et ses amis pressentent toute l’importance que constitue l’ouvrage d’Eugène Chevreul: De la loi du contraste simultané des couleurs.

En 1885, Gausson connaît parfaitement les principes de cette théorie et il les explicite dans une longue lettre à Emile Zola. L’oeuvre de Gausson devient particulièrement novatrice en 1886, année où il réalise des oeuvres selon l’étude du contraste simultané.

Continuant ses recherches, il s’oriente logiquement vers le Synthétisme, qui lui permet de représenter l’intensité de certains effets de la nature. Il réalise de 1890-1894 et même à partir de 1889 des oeuvres audacieuses aux formes simplifiées traitées en aplat et cloisonnées.

Il participe aux expositions d’avant-garde: à Saint-Germain-en-Laye, les XX à Bruxelles, l’Association pour l’Art à Anvers, à Paris chez Le Barc de Boutteville, l’Hôtel Brébant, le salon des Cent.

Durant toute cette période, il n’en abandonne pas pour autant le Néo-Impressionnisme. Même, délaissant toute théorie, il s’attache davantage à la représentation du réel, dans une synthèse des éléments qui lui est très personnelle: Cour de ferme, 1891, (basée sur le nombre d’or).

Des conditions d’existence très précaires décident Gausson à quitter la France. En 1901, il s’engage dans l’administration coloniale. Ce sera une entrave à poursuivre son oeuvre. Il vivra en Guinée française sept ou huit ans. Il est l’un des tous premiers à avoir rapporté des peintures de cette région d’Afrique, alors inconnue des Occidentaux.

De 1887 à 1895, il exposa au Salon des Indépendants à Paris; en 1892, il fut l’un des invités, avec Luce, Pissarro, Toulouse-Lautrec, de l’exposition du Groupe des Vingt de Bruxelles.

Une rétrospective de son œuvre fut organisée en 1899, au Théâtre Antoine à Paris.

Il possédait de réelles qualités de coloriste et se montra graveur pittoresque de mérite dans les reproductions qu’il fit d’après Millet.

Bibliographie: –Dictionnaire des peintres, Bénézit, Ed Gründ, 1999, Tome V, p.919

13 janvier 202113 janvier 2021

Art japonais, une société d’amis!

**Henri Rivière** (1864-1951), *carton d’invitation pour le dîner de la Société des Amis de l’Art japonais du 25 janvier 1907*, gravure sur bois, 175x120mm
**Vendu-Sold**

L’art japonais fut l’une des composantes de différents courants artistiques de la fin du XIXème siècle. Un certain nombre d’artistes, amateurs voire amoureux de l’art japonais, se rassemblèrent dans le cadre de la « Société des Amis d el’art japonais ». Le secrétariat et la trésorerie de cette société étaient assurés par le Docteur Gabriel Ancelet (1867-1949), beau-frère de Charles Gillot (1853-1903), collectionneur et imprimeur inventeur de procédés de photogravure.
De 1892 jusque dans les années 1930, la Société des Amis de l’art japonais organisa huit dîners par an, à l’invitation du docteur Ancelet (au restaurant Cardinal, rue de Rennes à Paris) pour lesquels étaient imprimés des cartons d’invitation réalisés à la manière japonaise (le plus souvent des gravures sur bois en couleurs, tirées à la main sur du papier japon), dessinés et gravés par Georges Auriol, Jean Francis Auburtin, Jacques Beltrand, Jules Chadel, Prosper Alphonse Isaac, Henri Rivière et Pierre Roche…

Les documents présentés par la galerie Stéphane Brugal appartenaient à un ensemble d’estampes gravées par différents artistes comprenant des cartons d’invitation, des programmes pour des manifestations et des menus pour les dîners organisés par la société des Amis de l’art japonais.

« Comment définir le courant que l’on appelle “japonisme” ? Ce terme caractérise l’influence de l’art japonais sur l’art occidental dans la seconde moitié du XIXe siècle, mais il semble plus complexe.
Geneviève Lacambre fit remarquer qu’il y eut quatre étapes dans l’apparition de ce courant. On assista tout d’abord à l’introduction de motifs japonais, puis à l’imitation de motifs exotiques et naturalistes japonais. Ensuite ce fut l’imitation des techniques raffinées du Japon et enfin l’analyse des principes et méthodes trouvés dans l’art japonais.
Le terme “japonisme” est en général associé à l’art, mais il ne faut pas oublier qu’il toucha bien d’autres domaines comme la mode, l’architecture, etc. Le monde des lettres joua lui aussi un rôle important dans la propagation du japonisme en France. Les romans de Pierre Loti, en particulier Madame Chrysanthème, devinrent célèbres au-delà de l’Hexagone, quant à Judith Gautier et Edmond de Goncourt, pour ne citer que les plus connus, ils contribuèrent largement, par leurs écrits à l’engouement pour le Japon. »

**Kitao Masayoshi** (1764-1824). *Carton d’invitation au dîner du jeudi 10 novembre 1910.* Bois gravé. 160 x 200mm. Vabre 39. Impression en couleurs (par P.-A. Isaac). Épreuve sur japon. **Vendu-Sold**

12 janvier 20212 avril 2021

Puvis de Chavannes, le décor du Panthéon à Paris.

**Pierre Puvis de Chavannes**,
étude pour le triptyque: *Sainte Geneviève ravitaillant Paris assiégé*.
Crayon et estompe, 233x400mm, timbre de l’artiste en bas et à droite.
**Vendu – Sold**

Pierre Puvis de Chavannes, né à Lyon le 14 décembre 1824 et mort à Paris le 24 octobre 1898, est un peintre français, considéré comme un précurseur du symbolisme et une figure majeure de la peinture française du XIX^e siècle.

Pierre Puvis de Chavannes a été l’un des fondateurs de la nouvelle Société Nationale des Beaux-Arts en 1890.

Puvis de Chavannes réalise de grands décors muraux : au palais Longchamp à Marseille (1867-1869), à l’hôtel de ville de Poitiers (1870-1875), à l’hôtel de ville de Paris (1887-1894), à la bibliothèque publique de Boston (1881-1896). À ceux-ci s’ajoutent trois ensembles exceptionnels, celui du Panthéon de Paris, où il traite de la vie de Sainte Geneviève (1874-1878) et (1893-1898) ; le décor de l’escalier du musée des beaux-arts de Lyon (1884-1886) avec le Bois sacré cher aux Arts et aux Muses complété par Vision antique, Inspiration chrétienne et deux figures représentant le Rhône et la Saône ; et enfin le grand décor de l’amphithéâtre de la Sorbonne à Paris (1886-1889), qui développe le thème du Bois sacré. Chacun de ces décors donne lieu à des études, copies, répliques, cartons préparatoires qui popularisent l’œuvre de Puvis en particulier à l’étranger.

Ici, il s’agit d’une étude pour le triptyque « Sainte-Geneviève ravitaillant Paris assiégé », décor du Panthéon. En 1893, Philippe de Chennevières, directeur des Beaux-Arts confie à Puvis de Chavannes l’exécution du décor de Sainte-Geneviève au Panthéon, laissé en suspens à la suite du décès de Meissonnier. Très occupé dans les années 1894-1897 par les décors des escaliers de Paris et de Boston, Puvis ne s’attaque que tardivement à la commande du Panthéon. En 1897 les cartons sont achevés. L’inauguration des peintures aura lieu en novembre 1898, un mois après la mort de l’artiste. Il s’agit ici d’une toute première pensée pour le triptyque avec certains détails qui par la suite disparaîtront. Le panneau central et le plus élaboré avec, la Sainte bénissant le peuple depuis son bateau, tandis qu’un groupe de femmes l’acclame en levant les bras. Le panneau de droite représente un groupe d’hommes déchargeant les bateaux de ravitaillement. Le panneau de gauche, ébauché, présente une femme agenouillée, vue de profil, qui sera remplacée par deux hommes portant une jarre.

Cf. expositionn Puvis de Chavannes, Paris 1976-1977, Jacques Foucart (p.241).

12 décembre 202027 novembre 2023

Charles Fromuth, peintre américain, concarnois d’adoption!

Charles Fromuth (1866-1937) est décrit comme l’un des artistes les plus attachés à la vie du port de Concarneau. Formé à l’Ecole des Beaux-Arts de Philadelphie, il arrive à Concarneau en 1890 et ne quittera jamais la ville.

Installé à l’Hôtel de France et travaillant dans son atelier, avenue Lay, il passera 47 ans à étudier le port, les côtes environnantes et à dessiner avec ferveur, la dynamique des bateaux, le mouvement de la mer et des nuages, la lumière du ciel, cherchant à saisir « l’humanité atmosphérique » qui lui était si chère.

A partir de 1895, suite au succès de ses dessins, il abandonne l’huile pour se consacrer au pastel et fusain affirmant alors: « je considère mes pastels comme de véritables ôdes au climat breton« . En 1900, il découvre Hokusaï et l’art japonais qui marqueront définitivement son oeuvre. Il exposera en Europe jusqu’en 1910 et recevra plusieurs médailles et titres honorifiques.

Cet artiste de talent sera exposé en 1989 par le musée de Pont-Aven et en 2004 par le musée de la pêche de Concarneau. Certains de ses travaux ont aujourd’hui trouvé place dans les collections publiques nationales et internationales. Charles Fromuth restera à Concarneau jusqu’à sa mort en 937, laissant une oeuvre forte, résolument moderne frôlant parfois l’abstraction.