Augustin Carrera, les baigneuses au soleil!

Augustin CARRERA (Madrid 1878 – Paris 1952)
les baigneuses
aquarelle, signée du cachet d’atelier en bas et à droite,
17,5 x 24 cm

Elève de Léon Bonnat et d’Henri Martin, Augustin Carrera exposa au Salon des Artistes Français dès 1904, obtenant une médaille d’or en 1937. Il a participé au Salon des Indépendants et des Tuileries, de 1927 à 1933. Officier de la légion d’Honneur.

Parcourant les expositions, Augustin Carrera observe et s’imprègne des œuvres de Cézanne, Paul Gaugin ou encore Seurat. Cependant ce sont Degas, Toulouse-Lautrec, Van Gogh, Monet et Pissaro qui auront la plus grande influence dans son travail. Le paysage prend alors une toute autre place dans les toiles de Carrera. Ces éléments qu’il considérait comme accessoires deviennent des sujets à part entière dans lesquels il laisse éclater la vivacité de sa palette, ce qui lui permet d’approcher la peinture d’une manière qui lui est alors tout à fait nouvelle.

En 1912, l’artiste bénéficie de la Bourse d’Indochine qui marque un tournant dans son œuvre. Cette période donne naissance à de très belles toiles réalisées directement là bas. Augustin Carrera réside en Extrême-Orient durant huit mois et rapporte des compositions aux sujets inédits : des temples, des bords du fleuve rouge et des scènes de vie locale. Le roi du Cambodge lui confie alors la réalisation de panneaux monumentaux pour son palais, que l’artiste posera lors de son prochain voyage en 1928.

En 1914, lorsque la guerre éclate, Augustin Carrera est mobilisé. Se retrouvant en état de convalescence dès 1916, il s’installe à Allauch. Lors d’un voyage en Espagne dans les années qui suivirent, Carrera a une révélation lorsqu’il découvre les œuvres du Greco et de Velasquez. Il part alors s’installer à Paris, dans le quartier de Montparnasse, nouveau centre artistique européen qui vient de détrôner Montmartre.

Le critique d’art François Thiébault-Sisson le suit assidument dans le journal « Le Temps » et lui permet d’affirmer sa notoriété, déjà acquise lors d’expositions à la galerie Druet mais également grâce à un contrat avec la galerie Georges Petit qui lui donne l’opportunité d’exposer un de ses thèmes de prédilections : le nu féminin. Les œuvres de Carrera deviennent très prisées des collectionneurs et l’artiste obtient plusieurs commandes. Il réalise deux panneaux décoratifs pour le Ministère des Colonies, fortement influencés par son séjour en Indochine. Fasciné par le théâtre, il fréquente de nombreux établissements et se voit confier la réalisation des décors de l’Opéra de Marseille en 1924.

Très proche des peintres de l’école provençale, Carrera invite Hurard, Eichacker, De Groux, Audibert et Verdilhan à réaliser ces décors monumentaux à ses côtés. Carrera est sacré chevalier de la Légion d’honneur en 1920 et officier en 1928. Si le talent d’Augustin Carrera se déploie dans les paysages qu’il réalise dans le cadre de décors monumentaux et de ses commandes officielles, l’unicité de son art se révèle dans le nu féminin. Le peintre étudie assidûment le détail anatomique, qu’il retranscrit sur la toile avec attention tout en conférant une importance toute particulière à la lumière et à l’harmonie des tonalités. Les nus de Carrera ne sont pas sans rappeler la sensualité et l’érotisme de la sculpture. Leur modelé est révélé par la lumière, sculpté par le coloris gris des chairs et de la pâte dont l’ampleur attire et retient le regard.

Antoine Bourdelle dira à son propos « Carrera a trouvé le moyen dans sa peinture d’assembler la hardiesse du coloris et l’exquise finesse de l’atmosphère. Marseillais vous avez un grand peintre ! Soignez le ! »

Bibliographie:

Dictionnaire des peintres, Bénézit, Ed Gründ, Tome III, p.290

Dictionnaire des petits maîtres, G.Schurr, Ed Amateur, 1999

Augustin Carrera, Camille Rouvier

La merveilleuse Provence des Peintres, André Alauzen di Genova, Ed NAEF/Aubéron, 1999

Share

Reynold Arnould, portrait de Marthe, 1950.

Reynold Arnould (Le Havre 1919 – Paris 1980). Technique mixte, 22 x 15,5cm

Il s’agit ici d’une étude pour une fresque et représentant le portrait de sa femme Marthe Arnould.
Reynold Arnould étudie à l’école des beaux-arts du Havre et en 1939, il gagne le Prix de Rome. En 1949 il devient directeur d’une école d’art à Dallas au Texas.
Il est conservateur du musée Malraux entre 1952 et 1965. Reynold Arnould a exposé au Salon de Mai, au Salon des Tuileries, au Salon d’automne, à la Galerie de France et dans les villes les plus importantes du milieu de l’art (New York, Londres, Dublin…).
Son style est tout d’abord cubiste, utilisant des couleurs profondes, puis s’oriente dans les années 50 vers une plus grande abstraction. Outre son sujet de prédilection (des portraits de femmes dans des intérieurs modernes), Reynold Arnould a aussi peint des scènes allégoriques et des natures mortes et est connu en tant que muraliste.

Bibliographie:
Hommage à Reynold Arnould, 1919-1980, Galeries nationales du Grand Palais, juin-juillet 1983, Paris, Ministère de la culture, Réunion des musées nationaux, 1982
– Michel Fare et Franck Elgar, Reynold Arnould : forces et rythmes de l’industrie, Paris, Musée des arts décoratifs, 1959

This is a study for a fresco and depicting the portrait of his wife Marthe Arnould. Reynold Arnould studied at the School of Fine Arts in Le Havre and in 1939 he won the Prix de Rome. In 1949 he became director of an art school in Dallas, Texas. He is curator of the Malraux museum between 1952 and 1965. Reynold Arnould exhibited at the Salon de Mai, the Salon des Tuileries, the Salon d’Automne, the Galerie de France and the most important cities of the art world ( New York, London, Dublin …). His style is first cubist, using deep colors, then moves in the 50s to a greater abstraction. In addition to his favorite subject (portraits of women in modern interiors), he has also painted allegorical scenes and still lifes and is known as a muralist. Bibliography: – Tribute to Reynold Arnould, 1919-1980, National Galleries of the Grand Palais, June-July 1983, Paris, Ministry of Culture, Meeting of National Museums, 1982 – Michel Fare and Franck Elgar, Reynold Arnould: strengths and rhythms of Industry, Paris, Museum of Decorative Arts, 1959

Share

Jean PUY, un fauve!

Jean Puy, les deux soeurs, huile sur toile,
signée en bas et à droite, datée 1905, 50 x 61 cm,

Jean Puy est un peintre indépendant ; depuis ses débuts, il suit sa propre voie sans se laisser influencer et se préoccuper par les inquiétudes intellectuelles de ses amis.
Impressionniste un moment, pointilliste un instant, il devient fauve quelque temps sans débordement c’est à dire sans accéder à la déformation qu’il considère comme un excès chez ses amis.
La voie que cet indépendant fixe comme devant être sienne est déterminée par un amour intense de la vie, de la réalité et de la nature.
Fidèle à la nature, sans s’y soumettre, Jean Puy ne veut s’en éloigner et la rend le plus complètement possible dans toutes ses variations. C’est à travers une nature transformée par l’idée et la sensation que Jean Puy transmet l’émotion humaine à travers le concret et le réel. Mu par un fil directeur préexistant avant la première guerre mondiale, il glisse doucement vers une peinture intimiste orchestrée dans une symphonie de rose particulier à Jean Puy.

Share

Fernand Herbo, peintre d’Honfleur.

Fernand Herbo (1905-1995), aquarelle, signée en bas et à droite, 12x19cm.

Dans sa jeunesse à Montmartre, Fernand Herbo réalise des affiches, des décors de théâtre et de cinéma. Il y côtoie les peintres Maurice de Vlaminck et Othon Friesz  En 1938, Herbo quitte Paris et s’installe définitivement à Honfleur. Son œuvre, puissante et empreinte de couleurs sombres, dédiée à la mer, aux bateaux et aux ports, lui vaut d’être nommé peintre de la Marine nationale française en 1944. C’est à partir de cette date que sera apposée à sa signature l’ancre traditionnelle des Peintres de la Marine.

Fernand Herbo, aquarelle, signée en bas et à droite, 12×21,5cm

En 1945, l’État acquiert son œuvre Le quai de Jemmapes (1942), et l’attribue au musée national d’art moderne du Centre Georges-Pompidou. Au début des années 1950, Fernand Herbo fait connaissance de la galeriste et poétesse française Katia Granoff qui l’expose dans sa nouvelle galerie de Honfleur. Katia Granoff, grande découvreuse de talents (elle exposa et révéla entre autres Marc Chagall et Othon Friesz, et favorisa la redécouverte de la série Les Nymphéas de Claude Monet) fait ainsi découvrir l’École de l’Estuaire de la Seine, dont Fernand Herbo est l’un des représentants. Fernand Herbo ouvre à Honfleur en 1952 le Bar des Artistes (devenu aujourd’hui le Bistrot des Artistes), dont le plafond est entièrement décoré par Herbo et au-dessus duquel se trouve son atelier. Le Bar des artistes devient alors un lieu de rencontre des peintres de Honfleur. On doit à Fernand Herbo plus de 1 000 œuvres, principalement des peintures à l’huile et des aquarelles. Plusieurs de ses œuvres sont exposées au Musée Eugène-Boudin de Honfleur, où une salle porte son nom.

Very beautiful watercolors of Fernand Herbo (1905-1995), official painter of the Navy. His powerful work in dark colors, is dedicated to the sea, boats and ports.

Share

Henri Person, divisionniste méditérannéen!

Henri Person (1876-1926),
paysage aux environs du golfe de Saint-Tropez,
c.1905-1910, huile sur panneau, signée du cachet, 32x40cm.

Peintre de paysages, marines. Tendance divisionnisme – pointillisme.

Henri Person fut élève de Cormon, Wallet, Humbert et Thirion à l’école des Beaux-Arts de Paris. Mais il abandonne cette influence académique en 1890 lorsqu’il rencontre Paul Signac. Ils ont en commun le goût de la mer et des bateaux, et vont ensemble en 1907 à Constantinople. Il fut sociétaire du Salon des Artistes Français à partir de 1905. Il a également figuré au Salon des Indépendants où il expose ses toiles dans lesquelles il adapte avec souplesse les théories du pointillisme dont il ne conserve guère que la touche fragmentée.

En 1913, la galerie Bernheim-Jeune lui organisa une exposition personnelle préfacée par Signac. Henri Person peignit souvent des scènes de la Méditerranée et de Saint-Tropez, de même que des paysages aux coloris clairs. En 1922, la ville de Toulon le nomme conservateur du musée tropézien qui deviendra le musée de l’Annonciade après la prestigieuse donation Grammont. Progressivement, Henri Person abandonne la discipline divisionniste mais reste attaché aux valeurs lumineuses qu’il exprime en coloriste subtil.

Very nice work of Henri Person (1876-1926) of the 1910s, pointillist trend. Friend of Paul Signac from 1890 with whom he travels, sharing the taste of the sea and boats.

Bibliographie:

Dictionnaire des peintres, Bénézit, Ed Gründ, 1999, Tome X, p.778

Dictionnaire des Petits Maîtres, valeur de demain, 1820-1920, Ed Amateur, 1996, Tome II, p.284

Share