Bachelet Emile-Just, grand sculpteur et céramiste breton!

henriot quimper
Emile-Just Bachelet (1892-1981), le marin, 1924,
faïence blanche, signée des initiales sur le socle, Henriot Quimper
Vendu-Sold

Emile-Just Bachelet, suivant les conseils de son ami Mathurin Méheut, rentre en contact avec la faïencerie Henriot à Quimper dès 1924, avec laquelle il va collaborer jusqu’au début des années 1930.

Il nous présente ici, le marin, de 1924, en faïence blanche où le rose de la terre de l’Odet transparaît sur chaque arrête vive du personnage

La sculpture est signée sur la base des initiales « EJB », Henriot Quimper, hauteur 25cm.

Le sculpteur Emile-Just Bachelet (Nancy 1892 – Aix-en-Provence 1981) envoie un premier plâtre à la faïencerie Henriot. Nous sommes en 1924, il s’agit de la Piéta. La même année, il propose aussi une Bigoudène portant un enfant, puis un Marin et une Bigoudène au porc. Les modèles, initialement réalisés en blanc, sont progressivement coloriés sur les conseils de Méheut. Il va réaliser d’autres modéles pour Henriot dès 1925, et au total ce seront 12 faïences éditées par Henriot et qui seront exposées du 9 au 20 décembre 1925, à la galerie Mosser de Nancy. Bachelet va collaborer également aux faïenceries de Lunéville, celle de Mougin à Nancy, celle de Saint-Clément, mais aussi à la Manufacture de Sèvres entre 1931 et 1936.

Il a étudié à l’École des beaux-arts de Nancy où il fut l’élève de Jules Larcher pour le dessin et d’Ernest Bussière pour la sculpture. Il étudia ensuite à l’École nationale supérieure des beaux-arts à Paris. Il y rencontre Georges Roty qui lui ouvrira les portes de la bourgeoisie parisienne. Il exposera régulièrement des sculptures au Salon d’Automne et à la Société Nationale des Beaux-Arts.

Bibliographie:
Dictionnaire des Peintres, Bénézit, Ed Gründ, 1999, Tome I, p.604-605
Mes plus beaux Quimper, catalogue de l’exposition de 1999, musée de la faïence de Quimper
Encyclopédie des Céramiques de Quimper, Ed. de la Reinette, Verlingue-Théallet

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René-Yves Creston, rare oeuvre de la création Seiz Breur!

creston
René-Yves Creston (1898-1964), « Le Goémon », 1925,
plat en faïence polychrome, Henriot Quimper, signé au dos du monogramme et titré, 1925, diamètre 29cm
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En 1923,  René-Yves Creston, sa femme Suzanne et Jeanne Malivel fondent l’Union des Sept Frères (Unvaniezh Seiz Breur) réunissant quelques dizaines d’artistes bretons de plusieurs disciplines voulant créer pour le plus grand renom de la Bretagne. Leur première grande manifestation collective est l’Exposition Internationale des Arts Décoratifs de 1925. Ils réalisent alors le pavillon Ti-Breizh, auberge-hôtellerie de Lucien Vaugeois, une très moderne salle de l’Osté qui étonne, déconcerte, fascine. Les Seiz Breur obtiennent une récompense collective. Leurs axes de création sont multiples: bijoux, objets, vêtements, meubles, peintures, dentelles, borderies, art sacré, faïence.

Véritable coordinateur du mouvement, René-Yves Creston passe de la gravure sur bois à l’aquarelle ou à l’huile, travaille pour Henriot à Quimper, puis devient sculpteur.

En 1927, en collaboration avec le sculpteur Jules-Charles Le Bozec (1898-1973), encore élève aux Beaux-Arts, il dessine les costumes de trois pièces de théâtre : Ar C’hornandoned (Les Korrigans) de Job Le Bayon, Tog Jani (Le chapeau de Jeanne) d’Yves Le Moal, et Lina de Roparz Hemon, dont la première représentation a lieu en janvier 1927.

Il écrit dans Breiz Atao et fonde avec l’aide de Georges Robin en 1928, la revue d’art Kornog et Keltia. Il passe de la gravure sur bois à l’aquarelle ou à peinture à l’huile, travaille pour les faïenciers quimpérois, puis devient sculpteur. On lui doit une sculpture de Nominoë. Il illustre le livre Kan da Gornog de Youenn Drezen, pour lequel il crée une nouvelle typographie. En 1926, René-Yves Creston a encore laissé des illustrations gravées sur bois pour La Brière d’Alphonse de Châteaubriant.

Bibliographie:
René-Yves Creston, du trait à la faïence et Suzanne Candré-Creston, catalogue d’exposition, Musée de la Faïence de Quimper, 2013

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Jacques Blin, céramiste des années 50-70.

Jacques Blin

Jacques Blin (1920-1995),
paire de lampes, c.1955
terre blanche, engobe bleu lapis, décor gravé, h. 18cm
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En 1954, Jacques Blin installe un premier atelier à Paris, puis s’installera dans l’Aube puis à Amboise. Il expose pour la première fois à la Maison de la Chimie en 1954, puis au deuxième salon des céramistes et des métiers d’art en France. Il occupera par la suite plusieurs fonctions, telles que Président de la Chambre syndicale des céramistes en 1970.

Jacques Blin pratique d’abord la technique du modelage, puis celle du coulage et enfin le tournage. Ses décors à la taille douce, technique de gravure pratiquée sur la terre sèche avant la première cuisson. Son style se caractérise par l’aspect plus ou moins nuagé de l’émail et par les décors gravés profondément dans la terre. Oiseaux de fantaisie, animaux primitifs sont ses sujets de prédilections. Très stylisés les personnages et les animaux évoquent l’art pariétal et les graffitis. La diversité et la richesse iconographique (bestiaire sauvage et fantastique, légendes mythologiques, scènes de la vie quotidienne …) apporte à son œuvre une fantaisie poétique, teintée d’humour et d’humanisme. Une œuvre humaniste qui reflète l’esprit et le cœur de son créateur.

Pendant plus de 40 ans, Jacques Blin fût un fervent militant pour défendre et promouvoir sa profession et les métiers d’art dès 1953.  De 1971 à 1991, il a été Président de la Chambre Syndicale des Céramistes et des Ateliers d’Art de France et organisateur du Salon des Ateliers d’Art, qui sont aujourd’hui la Fondation des Ateliers d’Art de France et le Salon Maison&Objet. A ce titre, il fut honoré des distinctions de l’ordre Chevalier de l’Ordre National du Mérite en 1980, Chevalier de la légion d’Honneur en 1983, Officier de l’Ordre National du Mérite en 1988 en qualité de Vice-président de la confédération française des métiers d’art. Pendant cette période de 20 ans, il a occupé la Vice Présidence de l’Académie Internationale de la Céramique (AIC), dont le siège est toujours à Genève, en Suisse.

Bibliographie:

  • La céramique française des années 50, Pierre Staudenmeyer, Ed Norma
  • Jacques Blin, céramiste & porteur d’histoire, Christine Lavenu, Ed Louvre Victoire, 2019

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Robert Pérot, pièce unique profondèment Vallauris!

Robert Pérot Vallauris le Vieux Moulin
Robert Pérot, « pied de lampe« ,
terre rouge de Vallauris, h.53cm, diamètre 25cm
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Robert Pérot (1931-2003) fut formé à l’Ecole des Beaux-Arts de Reims, il en sort diplômé en 1949, section sculpture. En 1950, il fréquente l’académie libre de la Grande Chaumière et entre dans la faïencerie Champagne et Provence, où il crée des céramiques publicitaires et dirige l’atelier de moulage.
En 1953, il rejoint Vallauris, précédant ses amis rémois, Dominique Baudart et Jean-Claude Malarmey. Il fait partie de l’exposition de l’Union des arts plastiques pour la Paix montée autour de Picasso. Il fonde en 1954 l’atelier du Vieux Moulin à Vallauris. Il participe dès lors à un grand nombre d’expositions: Vallauris, Cannes, Monaco, Paris… En 1961, Robert Pérot fait partie de l’exposition internationale de la céramique à Budapest et participe à La mort de la pièce unique chez Jean Derval. En 1962, il obtient une médaille d’or à Albisola, et expose tant en France qu’à l’étranger.
La production de Robert Pérot est surtout marquée par son tempérament de sculpteur: vases et pichets sont traités sous l’angle du volume. Ses émaux sont dans des tons assourdis où prédominent les fonds beiges.

Robert Pérot Vallauris Le Vieux Moulin
Atelier du Vieux Moulin

signé sur la base « RP-Vieux Moulin-Vallauris »

Robert Pérot Vieux Moulin Vallauris

Bibliographie:

  • La céramique française des années 50, P. Staudenmeyer, Ed Norma, 2001
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Edmond Lachenal et le Japonisme du XIXème siècle!

Edmond Lachenal japonisme
Edmond Lachenal (1855-1900), « vase aux poissons, 1890″,
pièce en faïence, signature dans le décor,
signé et daté sous la base, h.22cm.
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Edmond Lachenal

Faïencier à Malakoff, il se distingua par l’étude de la céramique et de la gravure sur bois japonaises. Il fit sensation à l’Exposition Universelle de 1889 et inventa par la suite un vernis spécial pour le grès, appelé « émail mat velouté ».

Edmond Lachenal se fixa à Châtillon et exposa chaque année au Salon de la Société Nationale des Beaux-Arts et chez Georges Petit ainsi qu’à l’étranger: Vienne, Munich.

On mentionne de sa main une statuette de la comédienne japonaise Sada Yakko; il exécuta également des statuettes d’animaux; parmi ses faïences beaucoup furent faites d’après les modèles de Rodin, Falguière, Saint-Marceaux.

De ses ateliers sortirent d’innombrables objets décoratifs de toutes sortes: vases, bonbonnières, boutons, épingles à chapeau.

Edmond Lachenal fut un des maîtres qui contribua au renouveau de la céramique a la fin du XIXe siècle. Il se montra novateur tant dans les procédés de fabrication que dans la réalisation des formes et des décors. C’est à lui qu’Auguste Rodin fit appel pour sculpter en grès la tête de La Douleur et celle du célèbre Balzac.

Ses œuvres se trouvent dans les musées de Paris (Art Moderne, Arts Décoratifs, Galliera), au Musée National de Sèvres et dans un grand nombre de Conservatoires des Arts et Métiers de l’étranger.

Bibliographie :

Dictionnaire de peintres et sculpteurs, Bénézit, Ed Gründ, 1999, Tome VIII, p.128

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